Algunas salieron tarifando y otras se ayudaron hasta su último suspiro. Y de todas disfrutamos en la pantalla: Paul Newman-Robert Redford, Katharine Hepburn-Spencer Tracy, Kirk Douglas-Burt Lancaster, Fred Astaire-Ginger Rogers…

Por El País

La vida en pareja es la vida mejor. Y no necesariamente en romance: el mundo está diseñado para caminar por él de dos en dos. Los hoteles, los restaurantes o las atracciones de feria dan por hecho que vas a ir acompañado. Pero Hollywood es distinto: allí no hay nada más glorioso que triunfar en solitario y, por eso, cuando una estrella tiene que compartir el calor de los focos, el espacio en las fotografías y las miradas del público la cosa no siempre acaba bien. Estas son las 12 parejas de cine más emblemáticas, algunas salieron tarifando y otras se quisieron hasta la tumba. Como cualquier matrimonio, vaya.

– Richard Pryor y Gene Wilder: cuatro películas (entre 1976 y 1991) y nunca se vieron fuera de un rodaje

Cómo se conocieron. En la primera escena que rodaron de El expreso de Chicago (Arthur Hiller, 1976), Richard Pryor (EE UU, 1940-2005) se lanzó a improvisar y Gene Wilder (EE UU, 1933-2016) no se achantó. Él mismo lo describió así en su autobiografía: “Richard soltaba una frase, yo otra y entrábamos y salíamos del guion sin parar”. Este choque de genios generó una anarquía cómica que puso de moda las parejas interraciales en el Hollywood de los 80.

Por qué triunfaron. Las adicciones de Pryor causaron retrasos, tensiones y pérdidas económicas durante el rodaje de Locos de remate (Sidney Poitier, 1980), culminando en una entrevista en la que el actor sufrió un ataque de ira y acabó gritando: “Gene Wilder no vale una mierda, es un maricón”. La entrevista nunca fue publicada y, cuando Pryor se echó ron por encima y se prendió fuego a sí mismo, ambos actores perdieron el contrato para protagonizar el taquillazo Entre pillos anda el juego (John Landis, 1983), siendo reemplazados por Dan Aykroyd y Eddie Murphy.

Por qué se separaron. La pareja se reunió, con éxito, para No me chilles que no te veo (Arthur Hiller, 1989), pero en No me mientas que te creo (Maurice Phillips, 1991) la avanzada esclerosis múltiple que sufría Pryor se notaba demasiado. Aquella fue la última película de Wilder, que murió en 2016, y el último papel protagonista de Pryor, fallecido en 2005. El contraste entre la vida juerguista, sórdida y excesiva de Pryor y la sobriedad apacible de Wilder les hacía incompatibles. En su autobiografía Wilder admitió que nunca fueron amigos: “Por muy unidos que estuviéramos en las películas, nunca llevamos esa química a nuestras vidas privadas. Richard viajaba en su propio círculo. Puedo contar con los dedos de una mano las veces que nos vimos fuera de los rodajes, y todas ellas fueron para hablar de trabajo”.

 

– Al Pacino y John Cazale: tres películas (entre 1972 y 1975) y una historia de amor y compañerismo más allá de la pantalla

Cómo se conocieron. Se conocieron trabajando como mensajeros para la petrolera Standard Oil, congeniaron y se mudaron a una comuna de artistas. Tras actuar en la obra The Indian Wants the Bronx, por la que ambos ganaron un Obie (premios del teatro independiente), Al Pacino (Nueva York, 1940) le consiguió una prueba a John Cazale (EE UU, 1935-1978) para la ambiciosa adaptación que Francis Ford Coppola estaba preparando de la novela de Mario Puzo El padrino.

Por qué triunfaron. El beso de la muerte (“Sé que fuiste tú, Fredo. Me has roto el corazón”), de El Padrino II (1974), es una de las escenas más tortuosas de la historia del cine, porque Michael Corleone (Pacino) pone el nervio y su hermano Fredo (Cazale) pone el alma. Y porque el espectador comprende que ninguno de los dos tiene otra elección. Pacino volvió a convencer a un director, Sidney Lumet, para que le hiciese una prueba a Cazale para Tarde de perros (Lumet necesitó una frase y diez segundos para contratarlo). Esta historia de dos atracadores, uno eufórico y otro introspectivo, se benefició de nuevo del contraste entre sus dos energías y fue nominada al Oscar. Cazale es el único actor cuya filmografía al completo estuvo nominada: El padrino, La conversación, El padrino, parte II, Tarde de perros, El cazador e incluso El padrino, parte III (en la que aparecía en imágenes de archivo).

Por qué se separaron. Cuando Pacino conoció a la nueva novia de su amigo Cazale, dijo: “Bueno, no es mala actriz”. Se trataba de Meryl Streep, quien rodaría El cazador junto a Cazale en 1978. El cáncer de huesos del actor estaba en fase tan terminal que la productora se negó a contratarlo, pero Robert De Niro pagó su póliza del seguro y pudo rodar todas sus escenas seguidas antes de fallecer. Para poder pagar las facturas médicas, Streep aceptó un papel en la serie de televisión Holocausto, que se rodaba en Austria, así que Pacino acompañaba a Cazale cada día a las sesiones de radioterapia. Años después Pacino declaró en Entertainment Weekly: “Aprendí más sobre interpretación de John que de nadie: todo lo que quería era trabajar con él durante el resto de mi vida; era mi compañero”.

 

– Katharine Hepburn y Spencer Tracy: nueve películas (entre 1942 y 1967) y una eterna relación clandestina de amor

Cómo se conocieron. “Me temo que soy demasiado alta para usted, señor Tracy”. Fue la primera frase que Katharine Hepburn (EE UU, 1907-2003) le dirigió a su compañero en La mujer del año (George Stevens, 1942). El director Joseph L. Mankiewicz, quien los había presentado, le advirtió: “No te preocupes, te irá recortando hasta que quedes a su altura”. Una semana después, su compañero de reparto Gene Kelly les dejaba almorzar solos para no invadir “sus conversaciones, sus manos entrelazadas y su pequeño mundo privado”.

Por qué triunfaron. Spencer Tracy (EE UU, 1900-1967) y Katharine Hepburn rodaron varias comedias románticas más, en las que la soberbia intrépida de Hepburn y la parsimonia hastiada de Tracy (o Kate y Spence, como se llamaban el uno al otro) inmortalizó en el cine aquello de “polos opuestos se atraen”. Un subgénero “ni contigo ni sin ti” que ha envejecido regular, pero sus diálogos frenéticos y el amor que estaba presente en cada conversación siguen funcionando 80 años después. Los diálogos serían artificiosos, pero el amor era auténtico.

Por qué se separaron. Tras 25 años de relación clandestina (la devoción católica de Tracy le impedía divorciarse, pero la culpabilidad le llevó al alcoholismo), la pareja rodó una última película. Adivina quién viene esta noche (Stanley Kramer, 1967) se desmarcaba de la lucha de sexos para presentar una sátira sobre el racismo y el clasismo. El estrés de rodar enfermo hizo que la salud de Tracy empeorase y falleció 17 días después de terminar la película. Ella llegó a mudarse con él para cuidarle en sus últimos días, pero no acudió al funeral por respeto a su esposa y mantuvo en secreto su relación hasta la muerte de esta en 1983. Este romance desveló una faceta servil y sumisa que el público desconocía de Hepburn, quien a menudo se sentaba literalmente a los pies de su amante para hablar con él, convivió con su depresión y alcoholismo e incluso toleró que en una ocasión le diese una bofetada mientras intentaba arroparlo. En su autobiografía, Hepburn confesó que habría hecho cualquier cosa por él. “¿Por qué iba a abandonarlo? Yo quería estar con él, de haberlo dejado ambos habríamos sido desgraciados”, dijo.

 

– Bob Hope y Bing Crosby: siete películas (entre 1940 y 1962) aunque fuera del rodaje eran totalmente distintos

Cómo se conocieron. Cuando Bing Crosby (EE UU, 1903- España, 1977) ya era un cantante de éxito, en 1932, Bob Hope (Inglaterra, 1903- EE UU, 2003) presentó uno de sus espectáculos y sus charlas sobre el escenario acabaron siendo la parte más popular del show. Años después, un ejecutivo de Hollywood los vio actuar y decidió darles una película, Ruta de Singapur (Victor Schertzinger, 1940). Fue la película más taquillera del año.

Por qué triunfaron. Las seis secuelas de la serie Ruta de…, en las que interpretaban a dos mejores amigos con tendencia a meterse en líos en el extranjero, arrasaron en taquilla y conquistaron también a los críticos, que aplaudían la audacia de su humor metanarrativo (Hope y Crosby hacían constantes referencias al público que les estaba mirando al otro lado de la pantalla). Pero fuera de ella casi nunca socializaban: Hope ansiaba ser una estrella y le encantaba la vida de Hollywood, mientras que Crosby prefería llevar una vida lo más anónima posible. Hope nunca soportó que Crosby no le invitase a él y a su mujer a cenar en su casa. En los 70, los chistes misóginos de Hope (y cómo tenían que ser para ser considerados misóginos en los 70) perjudicaron su imagen pública y él trató de rehabilitarla con otra comedia con Crosby.

Por qué se separaron. Durante la preproducción en 1977 de su octava comedia, Ruta a la fuente de la juventud, Crosby falleció de un ataque al corazón durante un torneo de golf en Alcobendas (Madrid). Su médico le había prohibido jugar más de nueve hoyos por sus dolencias del corazón, pero el actor jugó los 18 hoyos antes de desplomarse. “Una parte de mi vida se ha ido con Bing”, escribió Hope en The New York Times, “le echo de menos y siempre le echaré de menos, como el resto del mundo. Recuerdo nuestros buenos momentos, que estarán conmigo para siempre”.

 

– Paul Newman y Robert Redford: dos películas (entre 1969 y 1973) para una de las relaciones más bonitas de Hollywood

Cómo se conocieron. El estudio quería a Marlon Brando, Warren Beatty o James Coburn para el papel de Sundance Kid en Dos hombres y un destino (George Roy Hill, 1969), pero Paul Newman (EE UU, 1925-2008) les pidió un compañero desconocido porque prefería “trabajar con un actor” que con una estrella. Y tuvo tan buen ojo que eligió a la estrella que definiría la década posterior, Robert Redford (California, 1936), semiconocido entonces por Descalzos por el parque). Incluso Newman le cedió a Redford el papel de Sundance Kid por ir más acorde con su juventud. Newman se quedó con el de Butch Cassidy.

Por qué triunfaron. Aunque solo rodasen dos películas (El golpe, también de Hill, ganó el Oscar en 1974) su amistad demostró que en Hollywood hay sitio para la humanidad, la nobleza y la lealtad. Durante años vivieron a un par de kilómetros de distancia, en Connecticut, y se gastaban bromas como el Porsche hecho trizas envuelto en un lazo que Redford dejó en la puerta de la casa de Newman por su 50º cumpleaños (Newman se lo devolvió, aún hecho más trizas todavía, y Redford lo reconvirtió en una escultura de jardín que estuvo años decorando la entrada de la casa de Newman). Los hijos de Paul se referían a Redford como “tío Bobby” y ambos actores soñaban con que sus hijos se casasen.

Por qué se separaron. Redford se pasó años intentando reunirse con su amigo para una última película, Un paseo por el bosque, pero según la salud de Newman se deterioraba él mismo le pidió que abandonase el proyecto porque no iba a ser capaz de rodarla. Cuando Paul Newman falleció en 2008, Redford declaró en Today: “He perdido a un amigo de verdad, tanto mi vida como esta nación han sido mejores porque él estuvo en ellas”. En 2015, Redford rodó Un paseo por el bosque con Nick Nolte en el papel escrito para Newman.

 

– Kirk Douglas y Burt Lancaster: siete películas (entre 1948 y 1986) para una relación de amor y fricción

Cómo se conocieron. A pesar de que su rudeza (tosca la de Lancaster, reptiliana la de Douglas) resultó explosiva en Al volver a la vida (Byron Haskin, 1948), no fue hasta una década más tarde que asentaron su colaboración y su amistad en Duelo de titanes (John Sturgess, 1957): detestaban tanto al productor Hal Wallis que se pasaban horas contándose sus vidas con tal de no tener que interactuar con él.

Por qué triunfaron. El choque de sus presencias causó sensación entre el público ya fuera en westerns, en dramas de época, en thrillers o en comedias. “Creo que llevamos discutiendo desde el primer día que nos conocimos”, confesaba Kirk Douglas (EE UU, 1916-2020) a The New York Times en los 80, “ambos somos impulsivos, ambos somos difíciles. Pero es lo que me gusta más de trabajar con Burt, que nunca te aburres. La gente asume que somos amigos íntimos, pero no es así. A veces no le veo durante un año o dos, pero estoy ahí si me necesita y él está ahí si lo necesito. Sentimos un gran respeto mutuo, aunque nunca lo verbalizamos”.

Por qué se separaron. Tras aparecer juntos en los Oscar de 1985, su química seguía tan intacta que un estudio les produjo una comedia de acción para reunirlos: Dos tipos duros (Jeff Kanew, 1986). En el guion los personajes se llevaban fenomenal, pero los actores pidieron que su amistad fuese más ácida: “La magia entre Kirk y Burt es la mezcla de amor y fricción: fuera de cámara están todo el rato discutiendo como un viejo matrimonio. Saben cómo tocarse las pelotas, son como Laurel y Hardy con músculos”, explicaba el director. Y tanto. En una ocasión Lancaster ridiculizó a Douglas delante de unos admiradores por llevar alzas en los zapatos y Douglas acabó llorando. “Leo las noticias de Hollywood y ya no conozco a nadie”, confesó Douglas con motivo de su 100º cumpleaños a Variety, “¿dónde está Burt Lancaster? ¿Y Laurence Olivier? Se han ido todos. Me siento solo. Yo discutía constantemente con Burt, pero le echo mucho de menos”.

 

– Olivia de Havilland y Errol Flynn: nueve películas (entre 1935 y 1941) y un amor que nunca se resolvió

Cómo se conocieron. Una sola película, El capitán Blood (Michael Curtiz, 1935), valió para convertirlos a ambos en estrellas a la vez. La dinámica de mujer aventurera y hombre disfrutón, junto a su aspecto de aristócratas, evocó un romanticismo que arrasó en taquilla porque la tensión sexual resultaba excitante para el público. Y estaba basada en hechos reales: De Havilland (Tokio, 1916) reconoció sentirse muy atraída por Flynn (Australia, 1909- EE UU, 1959) durante los tres primeros años de su colaboración (en los que rodaron la película en la que se siguen mirando todos los blockbusters actuales: Las aventuras de Robin Hood), pero él no se enteró y para cuando quiso cortejarla ya era tarde. “No tuve nada con él y no me arrepiento, me habría arruinado al vida”, especuló la actriz en su autobiografía en referencia a la promiscuidad y excesos de Flynn.

Por qué triunfaron. La pareja bailó Sweet Leilani durante la ceremonia de coronación del rey Jorge VI en Los Ángeles, tras lo cual él le declaró su amor. De Havilland, sin embargo, se negó a iniciar una relación con él hasta que no se divorciase. En el rodaje de Camino de Santa Fe (Michael Curtiz, 1940) la actriz estaba saliendo con James Stewart y Flynn demostró sus celos asegurándose de que la cámara le enfocase más a él que a ella. Cansada de ser “la chica de la película” en superproducciones comerciales, De Havilland aprovechó el éxito de Lo que el viento se llevó para evolucionar hacia papeles más prestigiosos. Pero Flynn le suplicó una última película.

Por qué se separaron. En la última escena de Murieron con las botas puestas (Raoul Walsh, 1941), el personaje de Flynn se despide del de De Havilland: “Adiós, querida, caminar por la vida junto a ti ha sido lo más hermoso que he hecho”. En su autobiografía, publicada justo antes de su muerte en 1959, Flynn aseguró que siempre la había amado. Olivia de Havilland, por su parte, sigue viva (103 años) y asegura que cada 20 de junio levanta una copa de champán al cielo para recordar el cumpleaños de Errol Flynn.

 

– Jack Lemmon y Walter Matthau diez películas (entre 1966 y 1998) y una fidelidad que pervive incluso hoy

Cómo se conocieron. Durante el rodaje de En bandeja de plata (Billy Wilder, 1966), Walter Matthau (EE UU, 1920-2000) sufrió un ataque al corazón y, todavía convaleciente en el suelo, le dio un sobre a su compañero de reparto. Lemmon (EE UU, 1925-2001) se lo llevó al tipo que estaba esperando en la puerta del estudio, tal y como se lo había indicado, y resultó ser un corredor de apuestas: Walter temía que si no saldaba su deuda habría consecuencias peores que ese infarto.

Por qué triunfaron. El cuarteto Lemmon, Matthau, Wilder (director) y Diamond (guionista) edificó los cimientos sobre los que la alta comedia estadounidense sigue elevándose. Sus personajes estaban amargados, eran unos misántropos y nunca estaba del todo claro si se caían bien o no. Su amistad resultaba, por tanto, absurda pero a la vez era imposible imaginar la vida de uno de ellos sin el otro.

Por qué se separaron. Su colaboración resurgió en los 90 con Dos viejos gruñones, su secuela y La extraña pareja 2. Y seguro que habría continuado de no ser por la muerte de Matthau, que pasó toda su vida aquejado de múltiples dolencias. Ese día, Lemmon salió del baño sonriente y su mujer lo abrazó diciéndole: “Vas a dejar de sonreír, Walter se ha ido”. Él se iría un año después y está enterrado, en el mismo cementerio que Matthau y Wilder, bajo una lápida que simula ser los títulos de crédito de una de sus películas: “Jack Lemmon en…”.

 

– Jerry Lewis y Dean Martin: 17 películas (entre 1949 y 1956) y 20 años sin hablarse

Cómo se conocieron. El 25 de julio de 1946 debutaron como dúo cómico en el 500 Club: Dean Martin (EE UU, 1917-1995), el tío más canalla del Rat Pack, cantaba swing y Jerry Lewis (EE UU, 1926-2017), el rey de la comedia física, le interrumpía con sus payasadas. De ahí saltaron a la radio, a la televisión y al cine, donde llegaron a ser los artistas mejor pagados del mundo a principios de los 50. Martin y Lewis levantaron el ánimo de Estados Unidos durante los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

Por qué triunfaron. Cuando la revista Look los sacó en portada pero cortando la cara de Martin, este decidió que su rol como el tipo elegante de la pareja no estaba beneficiando a su carrera. Dejaron de hablarse fuera de escena y si lo hacían era para discutir. Martin le llegó a gritar a Lewis: “No significas nada para mí excepto un puto símbolo de dólar”. Lewis, cuyas ambiciones pasaban por ser el nuevo Chaplin y dirigir, escribir y producir todas sus películas, tenía más poder de decisión creativa en la pareja. Lewis tampoco soportaba que Martin le excluyese del Rat Pack. El 25 de julio de 1956, exactamente diez años de su debut, actuaron por última vez en el Copacabana de Nueva York.

Por qué se separaron. El dúo pasó 20 años sin hablarse hasta que su amigo común, Frank Sinatra, los reunió para un programa benéfico en televisión en 1976. Al ver aparecer a Lewis, Martin miró a Sinatra y dijo: “Qué hijo de puta”. Los tres se abrazaron pero el dúo no volvió a tener contacto hasta 1987, cuando Lewis acudió al funeral del hijo de Martin (fallecido en un accidente de avión) sin acercarse a saludarlo. Cuando Martin se enteró de que había asistido, le llamó para agradecérselo y retomaron su amistad hasta la muerte de Martin en 1995.

 

– Bud Abbott y Lou Costello: 37 películas (entre 1940 y 1956) que acabaron mal: Hacienda les requisó hasta sus casas

Cómo se conocieron. Bud Abbott (EE UU, 1897-1974) reemplazó al compañero de Lou Costello (EE UU, 1906-1959) cuando este se puso enfermo y lo demás es historia. Se convirtieron en los artistas mejor pagados durante la Segunda Guerra Mundial y su sketch ¿Quién va primero? pasó a la historia de la cultura popular estadounidense, al ser de los primeros cómicos en aparecer en la recién inventada televisión. Costello empezó a impostar una voz aguda porque en los teatros el público se quejaba de que no se distinguía bien cuál de los dos estaba hablando.

Por qué triunfaron. El dúo mantuvo a flote a Universal durante la guerra. Costello estipuló que los beneficios se repartiesen al 60% para Abbott y el 40% para él porque, según Costello, era mucho más fácil encontrar un cómico que un tipo serio. Se pasaron una década entera entre las diez estrellas más taquilleras y llegaron a asegurar sus shows en 100.000 dólares de la época (años 40) por si alguno de sus espectadores se moría de la risa (literalmente). En plena Segunda Guerra Mundial, el ejército japonés les ponía a sus soldados una película del dúo, Buck privates (Arthur Lubin, 1941), como ejemplo de la ineptitud y estupidez de los militares americanos.

Por qué se separaron. En 1945 Abbott contrató a una sirvienta recién despedida por Costello y, por alguna razón, la bronca acabó en los periódicos: Costello acusó a Abbott de ser un alcohólico y de firmar contratos nefastos durante sus borracheras, y este respondió amenazando con contar todos sus trapos sucios en la prensa. A mediados de los 50, la popularidad de Martin y Lewis y la saturación del público (Abbott y Costello estaban constantemente en la radio, en la televisión y en los cines) fue minando su éxito y no renovaron su contrato con Universal en 1955. “Nunca entendí a Lou”, reconoció Bud. Hacienda les acabó quitando sus casas, sus propiedades y los derechos de sus películas. En 1959, Lou Costello falleció de un ataque al corazón a los 52 años.

 

– Stan Laurel y Oliver Hardy: 107 películas (entre 1931 y 1951) para acabar arruinados y actuando en ferias de pueblos

Cómo se conocieron. El actor cómico Oliver Hardy (EE UU, 1892-1957) sufrió quemaduras de tercer grado mientras cocinaba una pierna de cordero y Stan Laurel (Inglaterra, 1890- California, 1965), su director, lo reemplazó mientras se recuperaba. Cuando Hardy se reincorporó, el productor Hal Roach decidió unirlos potenciando esa comedia física de accidentes. En vez de contraponer a un patán con un estirado, como suele ocurrir en los dúos cómicos, aquí los dos eran unos perdedores. Laurel no se parecía en nada a su personaje, se tomaba tremendamente en serio su profesión y ejercía como fuerza creativa del dúo, reescribiendo guiones, fabricando atrezzo y editando los rollos de celuloide mientras Hardy se largaba a beber y a jugar al golf en cuando se apagaban las cámaras. El dúo apenas tenía relación fuera del rodaje.

Por qué triunfaron. Su humor físico era a veces surrealismo mágico (Laurel echándose tabaco en la mano, encendiéndolo con su pulgar y fumando como si se tratase de una pipa), otras una metáfora de la futilidad de la existencia humana (ambos tratando, sin éxito, de empujar un piano cuesta arriba, pero sin rendirse) o sobre la alegría de estar vivo (hay pocas escenas en el cine tan emotivas como el vals que bailaban juntos en Way Out West). Pero por magullados, mugrientos o empapados que acabasen intentando llevar a cabo las tareas más sencillas (y por mucho que Hardy mirase a cámara con gesto exasperado, un recurso rompedor para la época) nunca dejaban de ayudarse el uno al otro. Por eso generaciones enteras de niños, padres y abuelos han disfrutado de los gags del Gordo y el Flaco.

Por qué se separaron. Los leoninos contratos del Hollywood de los 20 les dejaron en la ruina a los 60 años (Hal Roach, como tantos productores de la época, les había estafado), sin recibir ni un dólar de las docenas de cortometrajes que se seguían emitiendo constantemente por televisión. Hollywood se olvidó de ellos al considerarlos comediantes casposos y pasados de moda (“pasé de ser el anfitrión de todos a ser el invitado de nadie”, lamentó Laurel) y nadie quería contratarlos. Así que el dúo se embarcó en varias giras por Reino Unido a finales de los años 40. En una de ellas, al llegar al puerto de Cobh (Irlanda) todo el pueblo salió espontáneamente a recibirlos y las campanas de la iglesia comenzaron a tocar la melodía de sus películas, El baile de los cucos. Cuando Stan miró a su compañero Ollie, su cara estaba llena de lágrimas. Y en aquellas últimas giras, obligados a compartir transportes, habitaciones y mesas, Laurel y Hardy llegaron por fin a conocerse y a forjar una amistad. Hardy murió en 1957, pesando solo 63 kilos, y Laurel no volvió a actuar durante los ocho años siguientes que siguió vivo.

 

– Fred Astaire y Ginger Rogers, diez películas (entre 1933 y 1949) para la pareja de baile más grande de todos los tiempos

Cómo se conocieron. Ambos eran secundarios en Volando a Río de Janeiro (Thornton Freeland, 1933), pero su número de baile Carioca despertaba tantos aplausos en las salas de cine que RKO les produjo ocho películas como protagonistas en los siguientes cinco años.

Por qué triunfaron. Todo el mundo se enamora en homenaje a un romance que ha visto en el cine y, cada vez que alguien se enamora bailando, se lo debe a Ginger Rogers (EE UU, 1911-1995) y Fred Astaire (EE UU, 1899-1987). A través de sus cuerpos expresaban las fases del inicio del amor: el cortejo, la seducción, la armonía, la naturalidad, los nervios, el entusiasmo, el equilibrio de poder, las iniciativas, las reacciones, la improvisación o el erotismo. Él guiaba con galantería, pero ella aportaba las emociones. La mujer de Astaire estaba tan celosa que le prohibió besar en las películas a Rogers (la siempre mordaz Katharine Hepburn iba diciendo por ahí: “Fred le da clase a Giner y a cambio ella le da sexo”), de modo que cuando lo hizo durante un par de segundos el director ralentizó la imagen para que el beso pareciese más largo. Su cima es el número Never gonna dance en En alas de la danza (George Stevens, 1936), que tuvieron que repetir 47 veces porque en aquella época los número musicales se rodaban en una sola toma. Ella acabó con los pies sangrando. Pero siempre aparentando una felicidad divina, sexy y glamourosa. Y a menudo cobraba menos que los actores secundarios. “Todas las demás lloraban gimoteando que no podían más, pero claro que podían”, explicó Astaire, “todas excepto Giner. Ella nunca lloró”.

Por qué se separaron. En realidad, Ginger, que no era bailarina profesional y tenía que ensayar durante horas, no quería hacer musicales, pero su contrato la obligaba. Y era tan perfeccionista como él: la sangre en los pies nunca la detuvo, solo paraba cuando el sudor del pelo le chorreaba por el vestido (los trajes de Rogers llevaban pesos para moverse con una vaporosidad concreta, que además ella debía controlar para no golpear a Astaire con ellos). La actriz se cansó de ser su comparsa y persiguió papeles dramáticos (llegó a ganar un Oscar en 1941 por Espejismo de amor, en la que escandalizó a sus fans interpretando a una madre soltera), pero su carrera no llegó a despegar en solitario. Se retiró en 1965 a los 54 años y pasó a la posteridad como compañera de Astaire. Él se refugiaría en la televisión, pero antes se reunieron para un último baile: en The Barkleys of Broadway (Charles Walters, 1949) Rogers reemplazó a una problemática Judy Garland y la mítica pareja apareció por primera y única vez en fastuoso Technicolor. Durante el rodaje de su último número, miles de trabajadores de RKO, la Metro-Goldwyn-Meyer y el resto de estudios se congregaron para observar en primera fila la despedida final de la pareja de baile más emblemática de la época. Y siete décadas después, nadie les ha superado.

El cantante Vicente Fernández, que cumple 80 años.

Investigado por blanqueo de dinero del narcotráfico y famoso por sus controvertidas posturas como rechazar un trasplante de un “homosexual o drogadicto”, sigue siendo el número 1 en su género

Por Carlos Salinas Maldonado/El País

Hubo un tiempo en el que las rancheras eran las reinas de las emisoras mexicanas. Sus letras, en muchos casos melancólicas, eran un ungüento para curar los dolores causados por el desamor, cantadas a todo pulmón en cantinas, entre sorbo y sorbo de tequila, con la figura del hombre ranchero poderoso desplomado por un rechazo. Entre aquellas rancheras destacaban las canciones de Vicente Fernández, retirado ya de los escenarios, pero que llega a los 80 años con una voz inalterada y como el gran representante de un género que ahora languidece. Chente —como le llaman los mexicanos— ha mantenido viva esta herencia musical en más de 50 años de una carrera cargada de éxitos y no exenta de polémicas. “Es y seguirá siendo el número uno. En este momento no hay quien los sustituya”, dice, rotundo, Martín Urieta, compositor mexicano que ha firmado 25 canciones hechas famosas por Vicente Fernández, el rey de las rancheras.

Fernández nació en Huentitán El Alto, localizado en el Estado de Jalisco (oeste de México), famoso por la música de mariachis y la producción de tequila. Desde los ocho años, cuando recibió de regalo una guitarra, aquel chico soñaba con convertirse en intérprete de un género que ha dado nombres como los de Pedro Infante, José Alfredo Jiménez, Javier Solís y Jorge Negrete, la mayoría muertos jóvenes y en la cumbre de sus carreras. De adolescente siguió el sueño cantando en eventos familiares y en restaurantes, con una voz que apabullaba, un canto hondo que en las próximas décadas se convertiría en acompañante de todo jolgorio, fiesta de pueblo, desfile de caballos, encierros taurinos o velada de despecho de México y más allá de sus fronteras. En Centroamérica, por ejemplo, Fernández es idolatrado, visto como el mayor exponente de la cultura ranchera, asociada a las haciendas ganaderas, dominada por hombres fuertes, vestidos de sombreros de ala ancha, vaqueros ajustados y botas puntiagudas y que a la vez aman los palenques, con esas peleas de gallo también cantadas por Fernández. Pura testosterona.

Vicente Fernández, durante una actuación. GETTY

No fue un inicio fácil. El joven Fernández se unió a grupos locales y tocó las puertas de disqueras y emisores importantes del México de finales de los años cincuenta y principios de los sesenta del pasado siglo, una época de oro para la música y el cine, que marcaba el paso en Latinoamérica. Fue en 1965 cuando la emisora CBS (hoy Sony Music) le abrió las puertas y con ello el camino al éxito. En 1976 se empotró irremediablemente en el corazón de los mexicanos, con una canción de desamor: aquel “Volver, volver a tus brazos otra vez” fue el golpe que necesitaba para ocupar su lugar en el Olimpo de la música folclórica mexicana. Hasta la fecha ha grabado más de 80 discos de los que ha vendido más de 70 millones de copias. Su palmarés recoge dos premios Grammy, cuatro Grammy Latino y seis Billboard. Cuenta con su nombre grabado en el Paseo de la Fama de Hollywood, al lado de figuras como Louis Armstrong o Frank Sinatra. De hecho, el diario estadounidense The Houston Chronicle lo bautizaba en 1991 como “el Sinatra de la música ranchera.” El periódico lo definió como “el cantante supremo, el hombre que hizo las cosas a su manera”.

Y debido a esa forma de vivir la vida, a su manera, también ha protagonizado polémicas. En España las autoridades iniciaron en 2013 una investigación sobre blanqueo de dinero del narcotráfico colombiano a través de distintos eventos: determinaron que los narcos colombianos pudieron blanquear hasta cinco millones de euros en la gira de despedida del charro mexicano, aunque no se determinó la implicación de Fernández en este caso. Él también ha hecho comentarios polémicos, como cuando en su concierto de despedida en México en 2016, ante más de 100.000 personas, dijo lo siguiente en caso de encontrarse un día cara a cara con Donald Trump: “Le voy a escupir la cara y le voy a mentar la madre”. Fernández ya en 2016 había publicado un corrido con el que mostraba su apoyo a la entonces candidata demócrata Hillary Clinton. “Señora Clinton, estoy aquí para pedirle que cuando llegue a la presidencia no se olvide de todos mis hermanos mexicanos y latinoamericanos”. Tampoco escondía, para decepción de muchos de sus seguidores en Venezuela, su admiración por el fallecido Hugo Chávez, a quien visitó en Miraflores en 2012 y con quien cantó Lástima que seas ajena, uno de sus grandes éxitos. El año pasado protagonizó su más reciente polémica, al afirmar que rechazaba recibir un trasplante de hígado por si el donante era “homosexual o drogadicto”.

La relación con su familia también ha tenido altibajos. Muy documentados han sido los desencuentros con su hijo, Alejandro, apodado El potrillo, con quien ha tenido varias discusiones y a quien ha regañado públicamente por no hacer las cosas como el padre esperaba. A Vicente no le gusta, entre otras cosas, que su vástago se haya pasado a la música pop. La desavenencia parece haber terminado el año pasado, cuando ambos compartieron escenario, junto al hijo de Alejandro, en la ceremonia de los premios Grammy. El potrillo, a su vez, vive una vida de excesos marcada por el alcohol: en 2018 fue desalojado de un vuelo por negarse a ponerse el cinturón y apagar su móvil, ha cantado borracho en los conciertos y protagonizado peleas en bares de la capital mexicana.

En febrero otro de los hijos de Vicente Fernández, de mismo nombre, fue señalado de haber agredido a su exesposa, Karina Ortegón, aunque él negó esas acusaciones en una entrevista con la televisión mexicana. Pero el momento más angustioso que ha vivido la familia Fernández ocurrió en 1998, cuando Vicente hijo fue secuestrado durante 121 días, le mutilaron tres dedos y lo liberaron después del pago de una suma millonaria.

Aunque en México Vicente Fernández es un artista idolatrado, también cuenta con sus detractores. Gustavo Alvite, locutor y promotor musical, muestra su repudio al hombre con el que, dice, trabajó durante 40 años. Al ser consultado por este diario, Alvite respondió: “no tengo el menor interés de hablar de esa persona. Ya le hice el caldo gordo hablando mejor que bien y trabajando para él más de 40 años, para que ahora se revele como el ser ingrato y egoísta que siempre fue. He decidido ya no ser el apologista de quien no lo merece”.

Quien sí sigue alabándolo es Martín Urieta. El autor de 25 canciones hechas famosas por Fernández considera que él es el último gran representante de la música ranchera mexicana. “Ni Solís, Infante o Negrete tuvieron la fortuna de enfrentarse a las leyes del tiempo. Vicente los superó y no hay alguien que lo sustituya. Su voz está intacta a los 80 años y no podemos saber si Infante, por ejemplo, continuaría igual a la misma edad. Este es un mérito grande de Vicente: permanecerá como el número uno.” Urieta visitó hace unos meses a Fernández en su rancho y dice que a pesar de haber sufrido cáncer y a las intervenciones médicas a las que ha sido sometido, el músico está en buen estado. Hasta cantó para él y otros amigos. “Está prácticamente descansado, cantando como nunca. Está desperdiciando ese vozarrón que tiene al haberse retirado”. El rey, afirma Urieta, debería, como lo afirma su gran éxito, volver, volver, volver.

Entrevista a la exlíder del Sindicato de Maestros de México

La que durante décadas fue la líder del principal sindicato de maestros de México y una de las personas más influyentes en la política del país, habla por primera vez después de quedar en libertad

Por Javier Lafuente/El País

La que durante décadas fue considerada la mujer más poderosa y una de las personas más influyentes de la política mexicana; que fue encarcelada tras enfrentarse al expresidente Enrique Peña Nieto y, más de cinco años después, absuelta de todos los delitos, pero no tanto de las dudas y la controversia que aún permean en ella, vuelve a la primera línea política.

Elba Esther Gordillo (Chiapas, 75 años) tuvo un poder casi omnímodo mientras dirigió durante más de 20 años el Sindicato Nacional de Trabajadores de la Educación de México (SNTE), el mayor de América Latina, al que llegó de la mano de Carlos Salinas de Gortari, del PRI, partido del que fue secretaria general, diputada y senadora y en el que militó hasta su expulsión en 2006. Bajo los gobiernos panistas de Vicente Fox y Felipe Calderón alcanzó la cúspide de su carrera y de su poder. Hasta que llegó a la presidencia Enrique Peña Nieto.

La Maestra, el apodo por el que se la conoce en México, después de apoyarlo en su campaña, se opuso a una de las medidas estrellas del exmandatario: la reforma educativa, que desactivaba parte del ecosistema del poderoso sindicato, con más de 1,6 millones de afiliados, que Gordillo dirigía con mano de hierro. En 2013 fue detenida acusada de desvío de fondos, fraude fiscal, delincuencia organizada y lavado de dinero. Su arresto fue uno de los primeros golpes de efecto del recién inaugurado Gobierno, que prometía un combate a la corrupción. Su puesta en libertad más de cinco años después, absuelta de todos los cargos después de que la fiscalía no pudiese probar los delitos, simbolizó también el fracaso de lo que un día se llamó nuevo PRI.

Desde que recobró la libertad en agosto de 2018, las apariciones públicas de Gordillo han sido escasas, inversamente proporcionales a los sigilosos movimientos que se le atribuyen este año y medio. Pocos dudan que La Maestra no vaya a querer intervenir -cuando no ser partícipe- en la Cuarta Transformación que ha prometido el presidente, Andrés Manuel López Obrador. Sobre el futuro del SNTE, asegura que hay que “tomar la voz” del presidente y procurar unas elecciones limpias. “Queremos una democracia participativa, plural, para la elección de las dirigencias y para la toma de decisiones. No queremos ser meras correas de transmisión”, dice, siempre en primera persona del plural, por si hubiese dudas de su implicación.

Gordillo recibe a EL PAÍS el sábado al mediodía en su casa de Polanco, un barrio acomodado de Ciudad de México; en el penthouse donde pasó también los últimos meses de prisión domiciliaria. Mantiene desde entonces un imponente cuadro de Gabriel Orozco al que ahora le acompañan dos de Rafael Coronel y un lienzo de Rodolfo Morales, todos artistas mexicanos. La Maestra acaba de regresar de España, donde ha celebrado su cumpleaños. Disfrutó, dicen, del Museo del Prado, por el que estuvo paseando durante seis horas. Esta es la primera entrevista que da desde que fue absuelta de todos sus cargos y recobró la libertad. “Tengo resistencia a ella, hay que ser justos, siempre que hablo he generado olas de reacciones”, dice con una modestia que se disipa pronto y se pone, sin freno, a conversar durante más de una hora.

 

Pregunta. ¿Por qué regresa?

Respuesta. ¿Regresar a dónde? Tengo que vivir, tengo que hacer cosas, está mi familia, mi historia. No sé si me fui. Es más, creo que nunca me he ido.

P. Pero, ¿qué busca?

R. Algo esencial. Hay mucho que decir. Vuelvo porque hay una historia que no ha terminado. Mi intención es incidir en que en México se realice lo que hemos soñado los trabajadores durante mucho tiempo.

P. Todo eso qué quiere decir, ¿desde dónde lo va a hacer? ¿Quiere volver a dirigir el sindicato de maestros?

R. Estoy convencida de que no es necesario un cargo para alzar la voz y decir lo que se cree. Yo quiero ser una voz actuante, vigente y comprometida con la transformación del mundo sindical mexicano. ¿Querer volver a ser lo que fui? No necesariamente.

P. ¿Cuánto poder tiene ahora a la que se consideró la mujer más poderosa de México?

R. Depende la perspectiva con que me hayan visto. Si lo que quieren decir es que influía en la toma de decisiones en algunas situaciones, sí, y qué bueno, para eso es. El poder es transformar las cosas. Hay que juzgarnos a cada uno de acuerdo a su tiempo. Mire, hoy que está tan de moda y me agrada muchísimo, este asunto de los derechos de la mujer y veo a tantas jovencitas, a veces un poco radicalizadas pero que las comprendo perfectamente, me pregunto si yo no habré sufrido acoso por ser mujer en un mundo de machismo puro cuando era la única mujer dirigente en este país, que ante presidentes decía lo que pensaba y se me juzgaba por el bolso que usaba, por mis zapatos, por mi vestido.

P. Su nieto y su yerno han creado un movimiento político. ¿Piensa afiliarse, ser parte de él?

R. No, no, no, no, no. Mi yerno es un hombre preparado, tiene méritos, no se vale endosarle ni mis méritos ni mis deméritos. Mi nieto es un muchacho inteligente, capaz, le gusta la política, pero le falta meterse más, irse a la tierra, no solo a la teoría, se lo he dicho a él. Yo no pienso estar en ningún partido. Yo pienso hablar, voy a opinar y actuar en la vida democrática de mi país.

P. ¿Qué imagen cree que tiene la sociedad mexicana de usted?

R. Una que me duele mucho, no es positiva. Y no la puedo cambiar de la noche a la mañana. No es como yo quisiera ni es real lo que dicen.

P. Siempre se le ha criticado que llevaba un tren de vida elevado para una dirigente sindical. ¿Sigue manteniéndolo?

R. Yo creo que sí hay algunos errores de mi parte. Siempre prioricé mi imagen, mis vestidos, mis zapatos, siempre viví, guste o no, en Polanco y eso es vivir en un estatus superior al que vive cualquier maestro. Hay una imagen de que vivo en una gran mansión y no es cierto. Ahora, cuando compré la casa no vale lo que hoy. Y sí, tengo una casa en San Diego. Vivo bien, no es el estatus de cualquier maestro, pero lo que he hecho no ha sido por mi profesión como maestra ni como dirigente de maestros. He sido diputada, senadora… Cuando fui legisladora y pertenecíamos a una comisión, se nos daba una compensación. Sí, la acepté, pero no la robé. Ni lavé dinero ni hice cosas indebidas. Hay un problema serio. Yo creo en la libertad de expresión y en la libertad de prensa, pero me duele que en el periodismo en México, que es lo que conozco, hay poca investigación y se vayan todos por los rumores.

P. Eso no es así. Hay buen periodismo de investigación en México.

R. Hoy. Pero en mis tiempos no era así. Y es relativa la investigación. La prensa también ha tenido sus controles. Y no me refiero a los reporteros. Los dueños de los medios también servían al Estado corporativo y recibían líneas. Es un tema que no debería abordar siendo políticamente correcta, pero no soy así. Y eso es lo que molesta mucho. Eso incomoda. Me incomoda a veces a mí, pero por qué tengo que estar siempre del lado de los que pierden.

P. Más bien usted ha estado siempre del lado de los que ganan.

R. No, eso es lo que creen. Nunca he sido amiga de ellos, solo de un presidente puedo decir que he sido amiga.

P. ¿De quién?

R. De Vicente Fox, por el Grupo San Ángel, pero de ninguno más. Sí, soy sui generis, Elba Esther es eso, una mujer que irrumpe, dice que lo que piensa y que no es perfecta, que ha cometido algunos errores.

P. Su regreso coincide con el Gobierno de López Obrador, la denominada Cuarta Transformación, donde muchos de los actores son los mismos que en el pasado. Da la impresión de que en México todo cambia para que no cambie nada.

R. El gran vacío que tenemos es de líderes, de grandes jefes de Estado, hay una gran confusión. Hay crisis en todos los partidos, en organizaciones, pareciera que todo se desgastó.

P. ¿Y ustedes de cuánto son responsables?

R. Yo sí me siento responsable en parte. Siento que somos una generación que le debe mucho a los que vienen. Nuestra experiencia, la poca, no necesariamente está en el cargo que nos den, sino en lo que podemos compartir.

P. ¿Qué le parece el Gobierno de López Obrador?

R. Me dio mucho gusto que ganara. Si el triunfo no se hubiera concretizado hubiésemos tenido un estallido, con o sin su voluntad, porque el nivel de presión, de desencanto, de enojo era muy alto. En lo personal, me agrada mucho y creo que hay que apoyarlo para que se logre voltear a ver a los indígenas, somos un país con una profunda inequidad en casi todo. Soy una convencida de que para lograr muchas de esas cosas se requieren reformas, sacudimientos del sistema político.

P. ¿Qué le está pareciendo su mandato?

R. Yo creo que es un hombre congruente. Él es lo que es, responde a toda la trayectoria de su lucha. Yo estoy convencida de que tiene buena voluntad, pero no basta la buena voluntad, deseo que haya disposición de todos los que podamos y queramos para lograr algo positivo para el país.

P. ¿Usted está dispuesta a participar en la Cuarta Transformación?

R. Yo quiero ayudar a México. No quiero estar en ningún grupo.

P. Si hay alguien que conoce el viejo régimen es usted. ¿Cuánto de aquel viejo régimen queda en este Gobierno?

R. Yo diría que me tocaron dos etapas muy interesantes. La era en que se nos vendió un país de modernidad, de bonanza, de que todo iba a ser mejor, de que ya éramos del primer mundo. Hoy vemos que no hubo nada y estamos ante otro nuevo planteamiento. Lo que me gustaría es que pensáramos todos los que queremos participar en el destino del país cuál es la ingeniería política del sistema que se va a dar. Estamos en un sistema presidencialista. Queremos una nueva institucionalidad democrática.

P. ¿Y lo ve posible con alguien que encarna como pocos esa figura presidencialista?

R. Yo creo que tiene una gran factibilidad para hacer las transformaciones que se requieren, porque el bono político y autoridad moral hace mucho que un presidente no los tenía.

P. ¿Ha hablado o se ha reunido con el presidente desde que quedó en libertad?

R. No.

P. ¿Y con alguien de su Gobierno?

R. ¿Sería importante decir si sí o si no?

P. Yo creo que sí.

R. Usted se imagina que no pudiera haber yo saludado a Julio Scherer [consejero jurídico del presidente], al que tengo especial cariño o al secretario de Educación, Esteban Moctezuma, que tuve la posibilidad de tratarlo mucho tiempo, que cuando fue la descentralización educativa estuvo en un cargo muy importante. Pues sí, sí lo he saludado, hemos platicado varias veces, claro. Tengo varios amigos que quiero y respeto. Si hablo de pluralidad, cómo no voy a interrelacionar con algunos de ellos. Ahora, si lo que se quiere decir es que yo he interrelacionado para algunos programas políticos, no, no, no.

P. Cuesta creer que usted haya dado el paso de regresar, más de un año después de quedar en libertad y absuelta de los cargos, sin el visto bueno del Gobierno.

R. Lo políticamente correcto nunca ha sido una premisa para Elba Esther Gordillo. Nunca pedí permiso a ningún Gobierno ni a ningún presidente para hacer algo. Aun al presidente que me impuso, entre comillas, porque no fue así, porque era la persona adecuada para dirigir la organización, que fue el presidente Salinas, recuerdo haberle dicho que no muchísimas veces. Me opuse a que descentralizara la educación como quería, su secretario era [Manuel] Bartlett [hoy director de la Comisión Federal de la Electricidad]. Recuerdo una frase que me dijeron y dije que no.

P. ¿Cuál era esa frase?

R. Las decisiones de gobierno no se discuten, se acatan. Mire, una vez el presidente, siendo gobernador, perdón, el licenciado Peña [Nieto] me dijo: “Maestra, me gustaría mucho que usted me ayudara en la campaña para la presidencia de la República”. Yo le pregunté si había pensado lo que eso implicaba para la educación, para los maestros. Me dijo que sí. Y pensé que sería un buen presidente, era joven, pero no todo es juventud, eh, lección de vida. Era correcto, de buenas formas… A veces uno también se confunde: le dije que sí iba a participar con él. Un día me llamó y me dijo: “Maestra, estoy muy preocupado, porque tengo dudas. Si el presidente Calderón la llama y le dice que no me apoye, que apoye al PAN, ¿qué hará?” Le respondí: “Señor gobernador, no se equivoque, yo no he hecho compromiso electoral con el presidente. Yo estoy comprometida a que a su gobierno le vaya bien y voy a apoyar a su gobierno, pero electoralmente, no. Pero tome nota, el SNTE está para ser escuchado”. Respeto a los presidentes, pero la lealtad no es hacer callar. Las cosas que hice con los presidentes, las acciones que acometimos en los terrenos de mi responsabilidad, fueron consensuadas. Yo tengo para todos los expresidentes con los que colaboré un gran respeto y un reconocimiento de que mi voz fue escuchada.

P. ¿Incluido Peña Nieto? ¿Guarda respeto para él?

R. Guardo una enorme pena y diría que cierto dolor. Al final creo que no me equivoqué yo con él. El equívoco fue de él. Él sabía que lo que no conviniera a los trabajadores de la educación no lo iba a acatar. El presidente Peña sabía de mi preocupación por elevar la calidad de la educación, habíamos platicado mucho del tema. Recuerdo que después de un Congreso del SNTE en que él estaba de viaje por el extranjero, al volver, me llamó el 6 de febrero para felicitarme por mi cumpleaños. Le volví a reiterar mis deseos de hablar con él porque no estaba de acuerdo con la reforma. Le dije a Miguel Ángel Osorio Chong [secretario de Organización del PRI en 2012] que era un grave error; se lo dije a Nuño, que era secretario de Educación y se lo dije a Luis Videgaray, que era secretario de Hacienda.

P. ¿Así explica su caída?

R. Yo no lo veo como una caída. Así explico mi acto de congruencia. Dije no y a toda acción hay reacción. No sé por qué no hablamos, si él hubiese hablado conmigo hubiésemos razonado los pros y los contras. Había muchos intereses de por medio. Es el único presidente que no ha querido hablar conmigo del tema siendo presidente. Con los gobiernos del PAN logramos los mejores salarios. Negocié con ellos, pero no claudiqué. En esta época del PRI querían la claudicación. ¿Qué hubiese pasado si yo hubiese aceptado esa reforma? Los maestros me habrían linchado.

P. ¿Por qué cree que su liberación se dio en los últimos meses del Gobierno de Peña Nieto, durante la transición al Gobierno de López Obrador?

R. Porque luchamos mucho por demostrar que era inocente. No había expediente. Me opuse a una ley y el sistema autoritario actuó.

P. Pero le pregunto por el momento, justo en la transición de un Gobierno a otro.

R. Yo apelé a todo lo que era la ley. No apelé a marchas, de hecho hubo una claudicación de mi gremio terrible. Los que me suceden en el sindicato se comprometen a llevar a Meade a la presidencia y fracasan. ¿Por qué los maestros votaron a favor de López Obrador? Porque les ofreció quitar la reforma. Yo salí porque era inocente. No hice ninguna negociación. No, no, no, no.

P. Esta semana se ha detenido a Emilio Lozoya. Antes a Rosario Robles, a Javier Collado. El cerco sobre el expresidente Peña Nieto se ha estrechado. ¿Qué siente?

R. Pena. Mucha pena, porque no puedo negar que fui responsable para que fuese electo.

P. ¿Está convencida de que no va a volver a tener problemas con la justicia?

R. No tengo por qué tenerlos. Tengo confianza. El presidente es alguien congruente, ético, no tengo duda.

P. ¿Usted está dispuesta a transparentar su fortuna?

R. Ya está todo transparentado, todo el mundo sabe cuánto tengo y dónde lo tengo. No hay nada que ocultar, nada absolutamente. No tengo ninguna preocupación ni la tendré. Cuando yo digo que tengo una mala imagen es que también hubo campañas en mi contra.

P. ¿Y qué errores cometió?

R. Lo que le dije antes. El vestido, los zapatos, no saberme comunicar, no tener una estrategia mediática. Es falso que yo le diera dinero a la prensa. Tuve amigos periodistas, pero nunca tuve una estrategia de comunicar lo que hacía. Bueno, mi impropiedad política para algunos es un error, para mí es autenticidad.

Tras realizarle la prueba de ADN, el Seprona confirma que se trata de un Canis lupus signatus. La Xunta se ha hecho cargo del animal y de sus tres cachorros híbridos

Abc

En el municipio orensano de Quitenla do Leirado, Michel, un alemán afincado en Galicia, llevaba años conviviendo con lo que él creía que era una perra de la raza lobo checo. Tenía toda la documentación en regla que así lo acreditaba y el cánido contaba con el chip identificativo reglamentario. Pero desde hace años, sus vecinos sospechaban que la perra de Michel era realmente una loba ibérica.

Uno de ellos llamó a la Guardia Civil de Orense y comenzaron las investigaciones. El Servicio de Protección de la Naturaleza (Seprona) de la Comandancia de la provincia informó esta mañana que el pasado 14 de noviembre tuvo conocimiento de que un vecino de Quintela de Leirado tenía en una finca próxima a su vivienda un cánido que por su comportamiento y morfología podría tratarse realmente de un lobo. Tras inspeccionar al animal, el Seprona recogió el pasado día 10 de febrero una muestra biológica y la envió para anlizar el ADN con el fin de desvelar la incógnita y a través de los genes determinar con seguridad de que raza se trataba.

Las pruebas se realizaron en el Departamento de Medio Ambiente del Servicio de Criminalística de la Guardia Civil. «Se obtuvo el perfil genético de los restos biológicos analizados, y se confirmó que se trataba de un ejemplar de Canis lupus signatus (Lobo ibérico)», explica la Guardia Civil en una nota de prensa.

Pero la loba había tenido tres cachorros híbridos tras cruzarse con un perro común, que también estaban al cargo del alemán. Desde el pasdo 12 de febrero, los cuatro animales están al cargo del Servicio de Patrimonio Natural de la Consellería de Medio Ambiente de la Xunta de Galicia. Su propietario los entregó voluntariamente para que los cuidasen.